ARTHUR MURRAY

Dança em grupo

2008-05-30T15:54:00.000-03:00

Arthur Murray teaching/demo Collegiate Shag (1937)

2008-05-30T15:51:00.001-03:00

Arthur Murray 2007 tango showcase

2008-05-30T15:49:00.000-03:00

Arthur Murray Showcase

2008-05-30T15:48:00.001-03:00

Concurso de dança de salão

2008-05-30T15:44:00.000-03:00

Show de dança de salão

2008-05-30T15:43:00.001-03:00

"I'm Singing in the rain", Gene Kelly

2008-05-29T23:44:00.000-03:00

Swing Time - Rogers and Astaire

2008-05-29T23:42:00.001-03:00

Fred Astaire and Cyd Charisse

2008-05-29T22:57:00.000-03:00

Rita Hayworth & Fred Astaire: So Near and Yet So Far

2008-05-29T22:56:00.001-03:00

Fred Astaire

2008-05-29T22:53:00.002-03:00

A Tribute to Fred Astaire

2008-05-29T22:53:00.001-03:00

A dance tribute ...

2008-05-29T22:49:00.000-03:00

Gene Kelly 95th Birthday Tribute

2008-05-29T22:48:00.001-03:00

Legs - Tribute to Cyd Charisse

2008-05-29T22:43:00.005-03:00

Legs - Tribute to Cyd Charisse

2008-05-29T22:43:00.004-03:00

Swing Jazz Dance Showcase as Cyd Charisse & Gene Kelley

2008-05-29T22:38:00.000-03:00

Swing Time - Rogers and Astaire

2008-05-29T22:19:00.002-03:00

Fred Astaire and Ginger Rogers - Smoke Gets In Your Eyes

2008-05-29T22:14:00.001-03:00

Cyd Charisse and Ricardo Montalban

2008-05-29T22:09:00.001-03:00

Gene Kelly & Cyd Charisse - from singin' in the rain

2008-05-29T21:54:00.001-03:00

Showcase 2007

2008-05-28T20:40:00.008-03:00

Galeria de fotos - Showcase 2007

Alguns filmes que tiveram na dança a chave para o sucesso

2008-05-28T18:10:00.002-03:00

Seqüência: Diego Luna e Romola Garai na versão ano 2000 do romance entre um dançarino e uma jovem rica

Dirty Dancing 2 - Noites de Havana (2004)
Um jovem dançarino, uma moça romântica e rica, e alguma canção bem 'grudenta' de fundo: os mesmos elementos de Dirty Dancing - Ritmo Quente, sucesso na década de 80, podem ser vistos nessa espécie de continuação, que está em cartaz nos cinemas. Nos papéis principais, o mexicano Diego Luna (de Frida e participação em O Terminal), como o dançarino cubano Javier, e Romola Garai, atriz novata que vive a heroína Kate. A história se passe em Cuba, no ano de 1958. Os dois jovens se conhecem na escola de dança local e, para desespero dos pais da moça, se apaixonam. Como no longa-metragem anterior, o climax se dá quando os dois mostram entrosamento na pista de dança, a fim de vencer um concurso de dança.


Não é mera coincidência: à esquerda, cena de Noites de Havana, com Diego Luna e Romola Garai. Já na foto ao lado, Dirty Dancing - Ritmo Quente, filme que fez muito bem para as carreiras de Patrick Swayze e Jennifer Gray. As semelhanças entre as duas produções impressionam.

'Time after time..': Swayze e Gray em Dirty Dancing

Dirty Dancing - Ritmo Quente (Dirty Dancing, 1987)
Sucesso de bilheteria, a história de amor entre o instrutor de dança Johnny Castle (Patrick Swayze) e a teenager Baby Houseman (Jennifer Grey) é um clássico dos anos 80. Sob o ritmo da canção 'I Have the time of my Life', trilha sonora oficial do casal apaixonado, o filme foi uma das produções de maior destaque na carreira de ambos os protagonistas. Baby é a heroína entediada que vai passar férias em um hotel ao lado da família. Fica deslumbrada tanto com o charme (meio cafajeste) de Castle, quanto com seu talento para a dança. Durante as aulas, os dois se apaixonam. A dança, nesse caso, também serve de válvula para a jovem descobrir sua sexualidade.

Zeta-Jones ganhou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por Chicago

Chicago (2002)
Chicago foi um dos filmes responsáveis por trazer de volta à tona os musicais, muito populares no cinema americano até a década de 70. No elenco, Richard Gere, Catherine Zeta-Jones e Renée Zellweger, para contar a história de uma aspirante ao estrelato nos palcos, que faz de tudo para conseguir um papel de destaque como cantora. No entanto, Roxie Hart (Zellweger) só consegue chamar a atenção depois que comete um assassinato. Com a ajuda do advogado corrupto Billy Flynn (Gere), ela se torna a 'queridinha da América'. Toda a trama gira em torno do desejo das duas mulheres de se tornarem estrelas dos palcos. O filme recebeu várias indicações para o Oscar, entre elas Melhor Atriz para Renée Zellweger e Melhor Atriz Coadjuvante para Catherine Zeta-Jones.

Al Pacino e Gabrielle Anwar em uma das mais emocionantes cenas de Perfume de Mulher

Perfume de Mulher (1972)
Baseado no filme italiano Perfumo Di Donna, esta produção retrata a grande paixão de um ex-coronel do exército americano pela vida antes de suicidar-se. Interpretado por Al Pacino, Frank Slade está cego e decido realizar suas vontades durante o último final de semana que lhe resta. Entre elas está a dança. Como o companhia ele tem o jovem Charlie (Chris O'Donnell), observador de sua resolução pessoal. Al Pacino levou o Oscar de Melhor Ator em 1992 por sua atuação. A cena em que o ex-coronel dança tango com Donna (Gabrielle Anwar) é uma das mais emocionantes deste drama.

Liza Minnelli sensual em Cabaret

Cabaret (1972)
Liza Minnelli interpreta Sally Bowles, uma cantora americana que se apresenta em cabarés, na cidade de Berlim. Como o filme se passa na década de 30, o visual da atriz retoma os cabelos curtos e a maquiagem forte típicos do charlestown (estilo de dança americana da época). O filme mostra, em paralelo, a ascensão do Partido Nazista na Alemanha e a turbulenta vida amorosa da artista, dividida entre o relacionamento com dois homens.

Pôster de Flashdance

Flashdance (1983)
Aqui, a história de mais uma jovem que sonha em ser dançarina de sucesso - Flashdance é outro clássico dos anos 80. A personagem principal é Alex Owens, papel de Jennifer Beals, moça que trabalha como metalúrgica de dia e, durante a noite, dança em um bar. Com o apoio de seu chefe na fábrica e da professora de dança (que faz a heroína suar na maior parte do filme), Alex ensaia para passar no teste e ser admitida por uma importante companhia de dança. A música tema do filme - 'What a Feeling' - ganhou Oscar de Melhor Canção em 1983.

Travolta imortalizou seus passos de dança em Embalos de Sábado à Noite

Os Embalos de Sábado à Noite (Saturday Night Fever, 1977)
Um dos grandes sucessos da carreira de John Travolta, responsável por transformar o ator em astro, Tony Manero é o personagem rei das pistas neste filme. Ao som das baladas do grupo Bee-Gees, Tony participa de vários campeonatos de dança. Desse modo, consegue esquecer os problemas no trabalho e os conflitos com a família e a namorada. 'Saturday Night Fever' e 'How Deep Is Your Love' são algumas das canções da trilha sonora. John Travolta recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator, em 1977. O filme ganhou ainda uma continuação, mas sem a mesma qualidade e originalidade que marcou o primeiro filme.

Grease: romance estilo anos 60 em musical adolescente

Grease - Nos Tempos da Brilhantina (Grease, 1996)
História do romance de verão entre Sandy (Olivia Newton-John) e Danny (John Travolta), contada na forma de musical. Os jovens se conhecem durante as férias, quando começam a namorar. Casualmente, Sandy vai estudar na mesma escola que Danny. Como não quer parecer um garoto romântico na frente dos amigos, Danny despreza a jovem. A história se sustenta nos encontros e desencontros do casal, sendo permeada por canções ingênuas. Apesar de ser uma produção da década de 70, Grease procura retratar a rebeldia e a inocência da juventude dos anos 60, fugindo do cenário crítico em que se encontrava o cinema americano na época.

Fonte: Por Luciana Borge
http://revistaepoca.globo.com/Epoca/0,6993,EPT865498-1655-2,00.html

Fox trot

2008-05-28T00:18:00.001-03:00

O Foxtrot foi introduzido em 1913 por um homem chamado Harry Fox. Que se tornou a dança mais popular e duradoura do século XX , mas antes passou por mudanças estilísticas.

Comparado com os padrões de hoje, o Foxtrot original era moderadamente rápido, simples e não refinado, não distinto da música do tempo.
A popularidade da dança foi originada pela sua versatilidade global e variação rítmica (Foxtrot foi a primeira dança que introduziu a contagem " Lenta " antes das quais as danças populares , como a Valsa e o One Step tinham um só ritmo de contagem ). Mas não o era antes dos Anos 30's , apartir dessa data o Foxtrot começou a assumir uma qualidade mais lisa e mais corrente em contraste com o novo e excitante novo ritmo latino.
Uma versão modificada chamada o Slow Foxtrot foi evoluído pelos Ingleses, e é a base técnica para a versão que agora temos.

Movimento
Footwork: Os passos a frente normalmente são efectuados com a base do pé contacto com o chão, com o dedão do pé que abaixa como os movimentos de corpo em cima disto. Para trás são dados primeiro com ponta o pé, com o salto de sapato que abaixa como os movimentos de corpo em cima disto. Ao mesmo tempo, o dedão do pé do pé dianteiro devera levantar do chão a medida que o corpo se afasta.
Rise & Fall: A "subida e descida" está presente no Foxtrot, é mais subtil que a Valsa. Em níveis Avançados, há mesmo uma subida .Ainda mais Avançados ,o passo Rise & Fall está presente mais consistente em ciclos d e 3 passos, contudo ainda é mais subtil que na Valsa, devido ao transcurso contínuo dos pés numa maneira em um longitudinalmente.
Contra-Body Movement (Movimento de contra-corpo): Passo suave e típico dos salão de dança, é o passo usado para começar a maioria dos movimentos de rotação.
Sway Sway (Balanço de balanço): É definido pela inclinação do corpo à esquerda normalmente acompanha movimentos para o lado. O balanço está presente no Foxtrot, particularmente nos níveis mais Avançados onde os movimentos tendem a ser extenso.
Continuity Continuity: É definida como o transcurso contínuo dos pés de passo para passo, sem o tradicional "juntar" ou acções de chasse. Tipicamente, uma série de três ou mais passos de transcurso constitui uma acção de continuidade. São introduzidos movimentos de continuidade no nível mais Avançado do Foxtrot, e está quase completamente ausente no nível de de aprendizagem . De fato, em competições de dança de estilo americanas, este passo é expressamente proibido no níveis mais baixos.
Posição de Dança
Foxtrot é dançado num estilo de baile normal fechado. Isto inclui o uso de contacto de corpo a corpo , embora uma posição semi - fechada mais relaxado é frequentemente em situações de dança sociais, ou para fins de aprendizagem.
Em posição fechada o homem coloca-se em frente a senhora, ligeiramente à esquerda. São unidas a mão direita da senhora e a mão esquerda de homem num gancho de superior- mão aproximadamente o nível dos olhos da senhora. A mão direita do homem é colocada na Omoplata da senhora, com o braço esquerdo da senhora a descansar facilmente no direito dele. A armação de dança resultante devera ser robusta, mas relaxado e ausente de tensão ou stress.

Valsa

2008-05-28T00:17:00.002-03:00

Os acordes da Valsa Moderna trazem frequentemente á memória de muitas pessoas recordações felizes e românticas de noites quentes de Verão, lindíssima musica "lânguida", e tudo aquilo que faz a vida valer a pena. As suas melodias suaves e cadenciadas, continuam a prender a alma de gerações e a Valsa impõe hoje como uma das Danças preferidas em todo o mundo.

Tendo começado a sua vida como uma antiga dança de folclore Austríaco e do Sul da Alemanha , a Valsa Moderna – assim chamada porque se desenvolveu no inicio do Sec. XX – é tocada num andamento de 30 compassos por minuto. As "figuras" básicas usadas na construção da coreografia desta dança baseiam-se num esquema em diagonal que resulta numa progressão suava e leve em volta da pista de dança no sentido contrario ao dos ponteiros do relógio .As ondulações graciosas e rápidas mudanças na velocidade do corpo, são visíveis quando pares de grande categoria dançar a Valsa Moderna , são conseguidos da seguinte maneira: O primeiro tempo de cada compasso é dançado com uma forte oscilação do corpo, acumulando depois essa energia num movimento de vaivém em direcção ao centro das rotações elevando-se nas ponta s de ambos os pés durante o segundo e terceiro tempos do compasso da musica .

Um dançarino de competição precisa de Ter um corpo em forma e tornozelos fortes para executar uma boa caracterizar da Valsa Moderna , de forma a alcançar sucesso considerável em campeonatos internacionais importantes.
A Valsa Moderna, é geralmente a primeira dança a ser ensinada aos principiantes nas escolas da especialidade. A construção simples dos passos básicos, a alterações de peso regulares necessárias ao longo da dança e o andamento lento – aliados ao ritmo básico, fácil para o ouvido, repetitivo e não sincopado – são o ideal para por os principiantes a vontade e ajudá-los a ganhar a confiança. A confiança é o segredo do sucesso em todas as formas de dança. Se for capaz de ouvir a musica e contar "Um, Dois, Três" – também pode juntar-se ao grupo dos bailarinos de Valsa, satisfeitos e discretos .Saber dançar esta dança é uma grande conquista social, finalmente, quando ultrapassar o nível de principiante fará muito boa figura a dançar a Valsa se, juntamente com o seu par, se apresentar vestido a rigor .
Quando a valsa foi introduzida na Inglaterra durante o início do século XIX, escandalizou a sociedade. Nunca um homem envolveu uma dama com os braços numa posição de revestimento da cintura dela e girou em círculo no salão e que era quase um abraço onde o dançarino parecia estar dançando para seu próprio prazer ao invés de proporcionar divertimento para os espectadores. Foi adicionado o giro na ponta do pé derivado do balett clássico que ainda estava em uso nos salões de baile da época e o impacto foi considerado. Houve muita reprovação por parte das gerações mais velhas, mas raramente mencionou-se o fato de que a rainha Victoria era uma dançarina de salão especialista em Valsa. Felizmente, a oposição diminuiu e a Valsa ressurgiu, emergindo hoje em duas formas aceitadas, ambas reflectem as características principais da dança. Estas são conhecidas respectivamente como valsa moderna (ou diagonal) e a vienense (rápida).
Seria necessário estudar uma história detalhada das danças de salão para acompanhar as várias mudanças que finalmente trouxeram a versão actual, mas brevemente pode ser dito que pouco antes da primeira guerra a valsa foi considerada fora de moda na Inglaterra, e a moda eram os ritmos sincopados trazidos da América.
Assim embora a valsa ainda fosse popular, o tempo estava mais lento e os passos não tiveram nenhuma forma fixa. Na década de 20, foram feitas várias tentativas pelos instrutores profissionais para achar um passo básico uniforme que expressasse a música, enquanto eram aceitos os passos que acompanhavam o rimo naturalmente. Finalmente, todos concordaram que os pés deveriam fechar na terceira batida seja para frente, seja para a lateral. Foram recomendadas voltas naturais e inversas alternadas por passos de mudança, o homem gira 360° voltando a posição inicial e as vezes completa duas ou três voltas inversas em sequência. No campeonato mundial acontecido em 1922 o vencedor Silvester e sua parceira fizeram uma apresentação brilhante da valsa rotativa moderna e atraiu muito o interesse do público pela dança. Mas era difícil e gradualmente uma versão graciosa e menos exigente e mais satisfatório à técnica emergia. Era baseada exactamente no mesmo princípio mas o homem fazia só uma volta de três - quatro em cada figura natural ou inversa e deste modo criava um padrão diagonal em voltas naturais e voltas internas invertidas. Na ocasião esta ideia parecia revolucionária, mas como as competições eram populares e o título era importante, o interesse foi despertado quando um casal profissional famoso, Alex Millar e sua parceira, decidiu desafiar os outros competidores dançando a valsa diagonal nova em um evento importante contra rivais igualmente famosos que aprovaram o estilo rotativo.
Em meio a uma disputa do campeonato de dança de salão em Londres, diante dos juizes, foi premiado em primeiro lugar a forma diagonal nova da valsa. Este evento foi marcante e durante muitos anos a valsa diagonal ficou mais popular e suprema. Assim, em 1927 o salão de baile da sociedade imperial unificou a valsa diagonal que na época era quase universal. Este estilo se tornou base da dança e realmente, é a essência da valsa. Durante os anos desenvolveu o número de figuras que estão disponíveis porém com fundamentos de elegância.
Durante quase todo o reinado de Victoria, o "Quick"ou Valsa Vienense permaneceu popular e continuou até o século 20, de fato, até a chegada do mundo do "novo som"(sincopa do jazz americano). Isto sustentou a popularidade da valsa rápida que foi apoiada indubitavelmente, poderíamos dizer quase que com segurança, pela quantidade extraordinária de boas composições: primeiro Weber(1786-1826) com seu "Invitation to the Waltz"no qual Nijinski contribuiu com o desempenho elegendo-o em Monte Carlo em 1911; com Chopin(1810-1849), de quem a valsa forma o fundo musical de "Les Sylphides"e cria um veículo para Margot Fonteyn, como também outros grandes artistas inclusive Anna Pavlova. Há também os espectáculos musicais "Merry Widow" cuja premiação dada por Frans Lehar(1870-1948) incluiu uma valsa de popularidade universal e no estilo do ön the road".
Estes são alguns dos excelentes exemplos de música disponíveis.
A própria dança é conhecida por ter sido criada para ser dançada pelos camponeses da Alemanha
Meridional e Baviera já em 1780. Foi chamada "The Landler" e sua característica principal era o giro rápido e contínuo e a variação de figuras feitas pelo homem e sua parceira. Esta era a dança que chegou em Viena por si própria, para no século XIX, Johann Strauss e seu filho também Johann escreverem juntos centenas de "Quick-Time" e Walter, Junior de Johann que é responsável pela ópera "Dir Fledermaus" o Danúbio Azul. A dança ficou conhecida como valsa vienense e foi dançada por todo o mundo, não só pelos camponeses mas em Viena, Paris, Londres e Nova Iorque.

Tango

2008-05-28T00:15:00.001-03:00

Há qualquer coisa muito especial no Tango. Transmite uma atmosfera de expectativa tensa. As notas "Staccato" e entrecortadas desta música, combinando-se em fluentes crescendos, suaves mas firmes, criam um tom dramático e furtivo entrelaçado de fortes contrastes, que se repetem constantemente, resultando num convite excitante a que não se pode resistir.

Esta dança, transmitida ao longo de gerações de dançarinos, teve origem nos bairros pobres e nas vielas sórdidas da Argentina e, durante mais de 100 anos, foi considerada demasiado, indecorosa para os salões de dança. Reabilitada, foi moda na Europa no início da década de 1900. Surpreendentemente, não é difícil de aprender, as figuras básicas dominam-se facilmente. No entanto, o segredo para captar o sentimento do Tango reside no adoptar a postura correcta e conseguir executar os alusivos movimentos de gato que o caracterizam.

È importante dar grande atenção às posições relativas dos corpos quando se adopta a posição Inicial. Os dançarinos devem reparar que o ombro direito do Homem conduz e que, cada vez que os seus pés estão unidos, a ponta do pé direito fica junto a face interna do pé esquerdo (e vice versa para Senhora). O tango foi descrito como: romântico, dramático, exótico, sofisticado, simples e absurdo...
O tango tem uma história longa, com períodos de grande popularidade e uma individualidade e
fascinação marcantes. O tango em forma de dança foi criado pelos gaúchos, esses caleiros brilhantes originários da costa oriental da Argentina. O ritmo veio da altamente ritmica e melodiosa música tocada para eles quando descansavam nas suas cantinas e tavernas. Se caracteriza por um compasso 2/4 e é tocado com um staccato incomum em cada batida. Tão grande era sua popularidade que depois, pouco antes da primeira guerra, a dança foi proibida na Argentina.
Aparentemente tinha perdido sua simplicidade nativa e se tornado muito chamativa. O veto teve êxito e o tango reapareceu em Paris, particularmente em boates e restaurantes. O estilo foi descrito como sofisticado e muitos admiraram a autêntoica atmosfera criada pela influência de violonistas e orquestras nativas. Sua popularidade logo se expandiu para a Inglaterra em chás de tango ou aonde havia espaço. O hotel Savoy foi um dos primeiros a introduzi-lo, para isso contratou
músicos excelentes. Exibições eram realizadas nos teatros e clubes de dança e os professores da época incluíram nos seus programas essa dança nova e excitante. Porém com a declaração da guerra em 1914, sua popularidade diminuiu e demorou um bom tempo para que fosse incluída nas competições e eventos importantes da época. Em 1921 o filme "Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse trouxe o romântico e fotogênico Rodolfo Valentino chamando a atenção de todo o mundo para o tango dançado por ele. Apesar do impacto o público em geral não se sentia
inspirado para imita-lo e os próprios dançarinos profissionais estavam envolvidos com outros ritmos
e danças da América. Porém alguns professores visitaram Paris e prosseguiram seus estudos do
tango e notaram que a dança deveria ser mantida de alguma forma na Inglaterra e assim o estilo
Parisiense foi unificado. A variedade de passos era grande, mas era difícil ensinar ao aluno comum, e só os entusiastas levaram isto a sério. Esta era a situação nos meados de 1930 quando uma nova interpretação foi apresentada por um casal de competidores alemães que apareceu em Londres pela primeira vez. Através de um vigor, efetuam o staccato e aceleram a música e num deslizar que prolonga o passo largo, a dança assumiu uma nova identidade e todo mundo concorda que enquanto guardava seu caráter especial, era uma dança que parecia elegante e de possível assimilação. Esta tese provou estar correta e logo este tango estava sendo dançado pelos competidores e ensinado nas academias. Devemos admitir que muito tempo levou para que com interpretações diferentes, tivéssemos uma característica bem definida da magia do tango.
Em conclusão, desta breve Introdução e curiosidades acerca do Tango, aconselho que dediquem todo o tempo que for possível para apreender o espírito do Tango quando dançar os Passos andantes e os Básicos laterais, o objectivo a atingir é o procedimento furtivo de predador. Aproveitem a oportunidade para se comportar como um autentico Tigre!
Assim rapidamente captará o carácter subtil dum Tango dramático, se aperfeiçoar a posição e os movimentos do corpo enquanto ensaia ao som da música!

Rumba

2008-05-28T00:14:00.001-03:00

O Rumba requer uma sensação boa de ritmo e também persistência para dominar a técnica que tende ser saltado por dançarinos menos qualificados. Isto vêm como resultado de bom equilíbrio e movimento coordenado dos tornozelos, joelhos e quadris. O treino ininterrupto permitirá aos dançarinos executar a Rumba em uníssono.

A Rumba, ou mais exactamente a Rumba Cubana, é sem duvida, a dança mais popular entre a maioria dos dançarinos latino - americanos. Os princípios que lhe servem de base são espantosamente simples, mas representam um grau de dificuldade que leva muitos anos a aperfeiçoar.

A Rumba é uma dança relativamente simples para os principiantes aprenderem; atinge-se bastante depressa um grau razoável de sucesso. No entanto, esta mesma dança é o foco em que todos os melhores dançarinos de competição concentram muito tempo e esforço ao longo da sua carreira. Dançar bem Rumba é o objectivo de todos os aficcionados de dança latino-americana. No decurso da sua longa historia a Rumba tem desempenhado muitos papeis. Começou como dança de fertilidade, durante a qual os bailarinos mimavam as danças nupciais que antecedem a acasalamento das aves e outros animais. Versões posteriores humanizaram essas conotações sexuais; ao compasso insistente e vibrante do ritmo erótico da musica a mulher executava movimentos sensuais e convidativos para atrair a atenção do homem que escolhera. A maior parte da coreografia usada na Rumba actual mantém a historia secular das tentativas da mulher para atrair e, em ultima analise dominar o homem a, servindo-se dos seus encantos femininos . Durante uma Rumba bem coreografada, existe sempre um elemento de provocação e fuga ; o homem é primeiro seduzido e depois rejeitado pelo seu par. Aos convites sensuais e eróticos da mulher responde o homem, que evidencia a sua imagem de macho executando proezas físicas para tentar ganhar os seus favores. A Rumba Cubana foi consideradas pelos melhores bailarinos como a dança clássica entre todas as latino - americanas. O ritmo da Rumba baseia-se em 4 tempos em cada compasso, dos quais o 4 é o mais forte. O Andamento padrão, é de 27 compassos por minuto.

Cha cha cha

2008-05-28T00:13:00.002-03:00

Atrevido, alegre e despreocupado, o Chá-Chá-Chá tanto pode ser dançado com a mãe ou a irmã, como com a amada. Não implicando uma intimidade tão grande como o Tango ou a Rumba, é também uma das danças mais fáceis de aprender. Os principiantes, homens ou senhoras, acham fácil seguir este ritmo latino-americano porque os seus tempos bem marcados se podem contar a compasso com a musica. É, em todo o mundo, uma das eternas favoritas entre as danças sociais.

Baseia-se num movimento "chassé" (três passos ligados) que é dançado em simultâneo com os tempos nítidos de cada compasso da musica. Diz-se que o nome Chá-Chá-Chá imita o som produzido pelos pés dos bailarinos no chão ao dançarem esse "Chassé".

O Chá-Chá-Chá é uma dança que ajuda a controlar e a dominar o nervosismo que sentem todos os bailarinos em competição, é uma dança relaxante, por isso é a primeira dança das competições .
A musica do Chá-Chá-Chá, originaria de Cuba, tem um ritmo forte, convidativo e facilmente identificado que se pode contar simplesmente "1 , 2- 3, 4 e 1 , 2- 3 ,4 e 1", etc... Os tempos que se ouvem durante a contagem "4 e 1" são mais fortes e podem ser substituídos por Chá-chá-chá. Tal como a restante musica latino-americana, a do Chá-Chá-Chá baseia-se numa forte percussão que deve incluir Bongos, Congas, Timbales e um Badalo. O andamento ideal é o de 30 compassos por minuto. O acento rítmico mais forte surge no primeiro tempo de cada compasso.O Chá-Chá-Chá consiste em cerca de 20 figuras básicas e um sem numero de variações que se desenvolvem apartir dessas figuras básicas. No entanto, o s principiantes nesta dança atrairão facilmente a atenção dos amigos se souberem dançar bem as 4 figuras básicas.
Posição de Dança:
Posição de dança Latina, mantenha-se vertical com o peso segurado adiante para as bolas dos pés. O passo latino básico é compacto, com os pares ligeiramente separadamente. A mão direita da senhora e a mão esquerda de homem unen-se num gancho aproximadamente o nível dos olhos da senhora. A mão direita do homem é colocada na Omoplata do ombro da senhora, com o braço esquerdo da senhora pousado no direito dele. A armação "de dança" resultante devera ser robusta e bem conectada.

Mambo

2008-05-28T00:11:00.001-03:00

Conseguirá o Mambo recapturar a glória de seus dias dourados? A dança cubana chamativa pode encontrar um partidário novo nos anos 90?
A dança de Mambo é originaria de Cuba, onde havia determinações significativas de haitianos. No país de parte de trás de Haiti, o "Mambo" é uma sacerdotisa de vodu que serve os aldeãos como conselheira, curandeira, exorcista, aconselhadora espiritual, e organizadora de entretenimentos públicos. Porém, não há uma dança folclórica no Haiti chamado o "Mambo".
A fusão do SWING a e música Cubana produziu este ritmo fascinante e em troca criou uma dança sensacional. O Mambo não poderia ter sido concebido mais cedo porque até aquele tempo, o Jazz cubano e americano ainda não se tinham "Casado". A "dança de Mambo" é atribuída a Perez Prado que a introduziu no Nighte-Club La Tropicana em Havana em 1943. Desde então outros lédres de Bandas latinas , como Tito Rodriquez, Pupi Campo, Tito Puente, Machito e Xavier Cugat alcançaram estilos próprios deles e avançou a moda do Mambo. O Mambo foi originalmente tocado como uma vulgar Rumba, pode ser descrito como uma Rumba com uma abertura ou ênfase em 2 e 4 em 4/4 tempo. Nativos Cubanos ou músicos sem qualquer treino quebrariam em qualquer batida. Apareceu primeiro nos Estados Unidos no Salão de baile de Park Plaza Iorque - um lugar favorito de paragem de dançarinos entusiásticos de Harlem. O Mambo ganhou entusiasmo em 1947 no Palladium e outros lugares remodelados como China Dol, Havana Madrid e Birdland.

Uma versão modificada do Mambo (a dança original teve que ser reduzida devido à acrobacia violenta) foi apresentado ao público em estúdios de dança, hotéis de recreio, e em clubes nocturnos em Nova Iorque e Miami. Sucesso estava no programa de trabalho. Os alegres bailarinos de Mambo foram afetuosamente conhecidos "Mambonicks".
A febre do Mambo não demorou ,muito e hoje o Mambo é limitado aos dançarinos avançados. Os professores concordaram que esta é ums das danças mais dificeis . Um das maiores contribuições do Mambo é que conduziu ao desenvolvimento do Cha-Cha-Cha.
O Mambo está desfrutando uma popularidade renovada devido a vários filmes que caracterizam a dança como também um homem nomeou Eddie Torres. Eddie é uma dança de Nova Iorque a favor de epara o Mambo fanático que lançou uma cruzada para ter certeza a dança reina uma vez mais nos salões de baile. Torres se tornou o explicador principal do estilo e construiu uma reputação continuamente como dançarino, instrutor, e coreógrafo. Ele foi conhecido como o " Rei de Mambo de Dança " latina. Torres esta determinado a reintroduzir bailarinos naquilo que ele acredita que sejam os Clube Nocturnos autêntico de dançar o Mambo , o qual nos anos de 1990's é crescentemente conhecido como Salsa.
"É um grande tempo para as danças Latino -Americanas" diz Torres. "O Mambo tem agora calor, como o era nos anos ' 50. É uma dança com muitas influências: africano, cubano, Jazz, até mesmo algum ballet.
Canções de Mambo populares incluem "Mambo Italiano", o "Papai Ama Mambo", "Mambo #5", "eu Vi para a Mamãe Fazer O Mambo", e "Eles Eram Doin' O Mambo". 'Dança City', o álbum de CD soberbo que caracteriza Hernandez e a Mambo Reis Orquestra, está em seu próprio como um das melhores gravações de seu tipo em anos, uma sessão de faixa-estilo grande enérgica que recorda os dias de glória de Tito Puente e Tito Rodriguez.
A maioria das pessoas tratam o Mambo como dança muito rapida mas, em essência, é uma dança lenta e precisa , que não se move muito.

Salsa

2008-05-28T00:10:00.001-03:00

É como um mambo mas tocado com instrumentos mais modernos. Teve o nome criado e registrado por um dono de gravadora que mais tarde produziu o filme Salsa. Cantores mais famosos: Edwin Pitre Son Caribe, Célia Cruz, Oscar D'Leon e Tito Puente.
Salsa é uma palavra espanhola que quando traduzida dá "tempero".
Quente, picante, e cheio de sabor latino exótico, a dança Salsa é verdade a seu nome. Pessoas de todo o Mundo vão para as boates e discotecas para fazemrem parte na música, o movimento, e a experiência que é a Salsa.

Um estilo muito rítmico de música, Salsa é tocada por Grandes Bandas com uma secção interna de percussão latina, piano e freqüentemente város cantores.
Movimento
Movimento de quadril: Em Salsa, a ação de quadril é normalmente relaxada e sutil, especialmente para homens. É colocado peso normalmente sobre um joelho ligeiramente curvado.
Movimento de Braços: Em geral, os braços estão sobre nível de cintura.Os movimentos de braço deveram ser um resultado natural do movimento do resto do corpo,quando os braços são posicionados deliberadamente ou são ondulados ao redor, eles parecem inventados e antinaturais. Permita sempre que os braços possam reagir naturalmente ao movimento do corpo.
Posição de Dança:
Quando se dança Salsa,mantenha-se vertical com o peso na ponta dos pés. Como o passo latino básico, o passo de Salsa é compacto, com os pares ligeiramente separadamente.A mão direita da Senhora e a mão esquerda do homem podem estar juntas em gancho de superior-mão, ou com as costas da mão dohomem. A mão direita do homem ou é colocada na Omoplata do ombro esquerdo da senhora ou na anca dela. O braço esquerdo da senhora deverá estar descansado ligeiramente no braço certo dele. Deve-se ter em atenção que o passo da Salsa é mais relaxado que o passo latino básico, permitindo mais liberdade de movimento de braço.

Samba

2008-05-28T00:08:00.001-03:00

O Samba e o Brasil estão ligados tal como o fumo e o fogo, a trovoado e o relâmpago, o dia e a noite. O Samba faz parte integrante da cultura Brasileira – é a musica e a dança do Povo, feita para e pelo Povo.

Carnaval e Samba é outra combinação de palavras que simboliza o espírito que esta musica provoca no coração do povo Brasileiro.
Todos os anos, durante 5 dias e noites de Fevereiro, a vida rotineira do Rio de Janeiro é interrompida – Carnaval, o Sambódromo se enche com uma procissão infindável de carros alegóricos extravagantemente decorados, cada um com o respectivo grupos de músicos e dançarinos (escola de Samba) que tocam e dançam o seu Samba escrito para esta especial ocasião.

Frequentemente os não Brasileiros têm tendência a pensar no Samba como uma dança em particular, mas na realidade não é assim. Existem muitas versões diferentes – cada uma com o seu ritmo, andamento e tom – que resultam em muitas danças diferentes. A dança que o Ocidente conhece como Samba é apenas um desses muitos ritmos vibrantes e arrebatadores , para se captar o carácter do Samba, deve-se adoptar um espírito carnavalesco e brejeiro. Muitas das "figuras" usadas no Samba requerem um movimento característico de oscilação das ancas que é um tanto difícil de aprender mas sem o qual as figuras que o exigem não parecerão cadenciadas ou autenticas. É também importante que os dançarinos aprendam outro movimento a que se chama o balançar do Samba ; usa-se nas figuras em que a contagem é " Um – e – Dois " .Quem quiser executar uma boa interpretação desta musica tem que dominar bem estes dois movimentos , além de dar maior qualidade ao Samba, irá sem dúvida adelgaçar a sua cintura.
O Samba tem dois tempos em cada compasso, sendo o segundo o mais forte. O andamento padrão desta dança é de 50 compassos por minuto.
Posição de Dança:
Frente ao Seu Par aproximadamente afastados 15 cm com a cabeça e o corpo naturalmente vertical. O Homem deve colocar a mão direita dele na Omoplata esquerda da Senhora, a Senhora descansa o braço de esquerda dela ligeiramente no do seu par, seguindo a curva do braço dele para o ombro. A mão esquerda do Homem deve estar numa curva gentil ao nível dos olhos. A Senhora deve colocar os dedos da mão direita dela entre o dedo polegar e o indicador do homem.

Merengue

2008-05-28T00:06:00.002-03:00

Ritmado veloz e malicioso, nascido na Republica Dominicana, tem o seu nome derivado da forma que os dominicanos chamavam os invasores franceses no século XVII - merenque.

Cantores mais famosos: Juan Luis Guerra e Walfrido Vargas
O Merengue é a dança nacional da República dominicana, e também até certo ponto, de Haiti, o vizinho que compartilha a ilha.
Há duas versões populares da origem da dança nacional dominicana, o Merengue. Uma história alega a dança originada com escravos que foram acorrentados junto e, da necessidade de arrastar uma perna enquanto cortavam cana de açúcar ao som das batidas de tambores. A segunda história alega que um grande herói foi ferido na perna durante um das muitos revoluções na República dominicana. Na festa de boas-vindas a casa com uma celebração de vitória todo o mundo que dançava se sentiu obrigado a mancar e arrastar um pé.

Merengue existe desde cedo na República Dominicana desde então (no Haiti, uma dança semelhante é chamada o Meringue). É possível que a dança tenha herdado o seu nome da confecção feita de açúcar e de ovo por causa do carácter claro e da dança, ou por causa dos seus ritmos pequenos e precisos.
Por meados do século IXX, o Merengue era muito popular na República dominicana. Não só é usado em todas ocasiões de dança na República, mas é muito popular ao longo do Caribe e América do Sul, e é uma das danças Latino - Americanas standards.
Há muita variedade na música de Merengue. Os tempos têm uma grande variedade e os Dominicanos gostam de um acelerar afiado em passo para a parte posterior da dança. A rotina mais favorecida nos clubes e restaurantes que têm uma pista de dança, é um Bolero lento seguido de um Merengue, depois toma a forma de um rápido e brilhante JIVE. O Merengue é um pouco mais lento e tem uma acção de anca modificada.
O Merengue foi introduzido nos Estados Unidos na área de Nova Iorque. Porém, não foi muito conhecido senão vários anos depois. Idealmente era dançado em pistas de dança pequenas, abarrotadas, é uma dança que é fácil de aprender e essencialmente é uma "dança divertida".
Merengue é uma combinação de duas danças, o africano e o Minueto francês, dos finais de 1700's -inicio de 1800's. Os escravos pretos viram as danças de salão de baile nas Casas Grandes e quando eles tiveram as suas próprias festividades começaram a imitar as danças "dos mestres" . Mas as danças de europeus não eram divertidas, eram muito enfadonhas e calmas, com o passar do tempo, os escravos adicionaram uma batida especial (providenciada pelos tambores).
O Merengue original não era dançado através de pares individuais, mas era uma dança de círculo, cada homem e mulher encarando-se um ao outro e segurando mãos Eles não estavam próximos um do outro, e os movimentos originais desta dança eram só o abanar dos ombros e movimento rápido dos pés. Havia nenhum movimento descarado das ancas como há hoje, aliás como as danças africanas nativas não movem as ancas. De facto, as danças Africanas, como também outras danças Indígenas de todo o mundo, consistem em passos complicados e movimentos de braço. As danças tribais não tem movimentos sexuais de anca, isto é só mostrado em filmes de Hollywood.
Assim, a origem do Merengue é bem parecido a isso a "Cake Walk" da parte Sul Americana.

Paso doble

2008-05-28T00:05:00.001-03:00

Esta dança é um estilização dos movimentos principais executado por um Toureiro na Praça de Touros. Todos os movimento tem um nome: Verónica, capote, ronda, volta atravessada.

O carácter do Paso Doble requer movimentos vivos mas claros e alguns lentos e sem vida não tirando a essência da dança.

Forró

2008-05-28T00:04:00.002-03:00

Forró é a denominação de vários gêneros musicais surgidos no Nordeste do Brasil. Entre vários ritmos diferentes que são comumente identificados como Forró destacam-se o baião, o coco, o rojão, a quadrilha, o xaxado o xote.

Possui semelhanças tanto com o toré o arrastar dos pés do índios quanto com os ritmos binários portugueses e holandeses, com o balançar dos quadris dos africanos. A dança do forró têm influência direta das danças de salão européia.

Arthur Murray

2008-05-27T23:00:00.001-03:00

Arthur Murray Franchised dance studios foi a segunda empresa nos Estados Unidos a se tornar uma franquia, antes mesmo do McDonalds. Considerada a empresa mais promissora na área de dança social no mundo, a Arthur Murray conta com mais de 200 franquias situadas na África do Sul, Alemanha,Austrália, Brasil, Canadá, China, Egito, Estados Unidos, Israel, Itália e Japão.

Essa história começou em 1912 com um homem chamado Arthur Murray, seu carisma e sucesso foram tão significativos que ainda hoje continua estimulando seus seguidores e inspirando novas pessoas através dos filmes direcionados a dança onde os estúdios Arthur Murray tem participação, tais como: Dirty Dancing, Meu querido presidente, Dança comigo, Vem dançar, Flash dance, Perfume de mulher e outros.

Festa junina

2008-05-27T22:57:00.000-03:00

Arraiá do Murray
Dia 21 de junho de 2008
21:00
Mansão Chamas

Contatos

2008-05-27T16:54:00.001-03:00

ARTHUR MURRAY - BRASÍLIA

QI 15 BLOCO "G" S/LOJA
COMÉRCIO LOCAL
LAGO SUL

FONE: 61 32486814

E-MAIL: mauricio@arthurmurray.com.br

Dança é saúde

2008-05-27T14:21:00.003-03:00

Tango, forró, salsa... O estilo pouco importa. Aceite o convite e entregue-se ao prazer de acompanhar o ritmo da música. Esse é o remédio que garante saúde física e mental, com um efeito colateral dos bons: diversão garantida

por Thais Szegö | design Giovanni Tinti | fotos Omar Paixão

Tonificação muscular, combate às gorduras extras, aumento da flexibilidade, melhora da coordenação motora, da postura, da memória e do controle da respiração, mais disciplina... A lista de benefícios que a dança proporciona parece não ter fim. E é em primeiríssimo lugar a preocupação com a saúde que leva muita gente a arriscar seus primeiros passos em diferentes coreografias. Dançar conforme a música não faz bem apenas ao corpo. Piruetas, rodopios e afins são puro deleite. "Tudo isso motiva os praticantes a prosseguirem com as sessões na maior animação", acredita o fisiologista e médico do esporte Antonio Claudio Lima da Nóbrega, da Sociedade Brasileira de Medicina do Esporte. Outro incentivo que fideliza os dançarinos é a possibilidade de conhecer gente e de espantar o estresse. "Durante as aulas fica fácil deixar os problemas de lado", enfatiza o professor de dança de salão Willamy Natan, de São Paulo.
Quem se interessa pela dança mas acha que não leva o menor jeito para a coisa está enganado. "Todo mundo consegue aprender", garante a professora de dança de salão Paula Domingues, de São Paulo. "Pena que poucos sabem do que o corpo é capaz." O ortopedista Ricardo Cury, da Faculdade de Medicina da Santa Casa de São Paulo, só faz uma ressalva: "A turma que tem problema nas articulações do joelho deve consultar um especialista antes". Conheça a seguir algumas modalidades e escolha a que mais combina com seu jeito de ser — e, claro, com seu gosto musical.

Tango
Ele nasceu nos subúrbios de BuenosAires, na Argentina, no final do século XIX, mas logo conquistou espaço em todos os bairros portenhos até ganhar o mundo e cair nas graças dos europeus. Seus passos extremamente marcados, firmes, ousados e elegantes acompanham músicas dramáticas e melancólicas. "Os dançarinos ganham pernas torneadas, além de uma bela melhora na postura", afirma a professora Paula Domingues, que aparece na foto ao lado.

Frevo
Genuinamente brasileiro, seu puladinho frenético nasceu no Recife, em Pernambuco, no início do século XX, e queima calorias à beça. Mas tem que ter preparo físico para dar conta da coreografia, que, diga-se, é feita com a típica sombrinha. Os músculos mais requisitados são os das pernas, do bumbum e do abdômen. Pode apostar: eles ficam firmes depois de alguns meses de treino. Vale seguir a recomendação: "Se o joelho for seu ponto fraco, escolha outro ritmo porque o frevo exige demais das articulações", alerta Willamy Natan.

Salsa
Essa mistura de músicas caribenhas, como o mambo, o merengue e a rumba, nasceu em Cuba nos anos 1960. Em castelhano, salsa quer dizer tempero. Quer palavra mais apropriada para definir esse ritmo pra lá de apimentado? Os seus passos são animados e cheios de ginga. O gasto calórico de quem entra nessa dança, portanto, é alto. "Seus adeptos trabalham os músculos e ficam com o corpo bem flexível", conta Willamy Natan, na foto abaixo.

Dança do ventre
Extremamente sensual, suas origens se perderam no tempo — ninguém sabe ao certo onde e quando ela teve início. Alguns historiadores acreditam que tenha nascido por volta do ano 7000 antes de Cristo, no Oriente Médio. "Seus movimentos sinuosos mexem com todos os músculos do corpo, principalmente os da barriga, os dos quadris e os da pélvis, região localizada na bacia", conta a professora Tamara Hanna (na foto), proprietária do Estúdio Danças do Mundo, em São Paulo.

Forró
Existem dois tipos dessa dança danada de boa: o forró nordestino, que, como o nome sugere, tem as características da região onde nasceu, e o universitário, mais comum nos estados do Sudeste. A principal diferença entre eles está no gingado, acentuadamente sensual e provocante na primeira variante. Já no universitário o casal dança coladinho e os passos são miúdos. Quem bate coxa ao ritmo acelerado dessa música ganha flexibilidade para dar e vender, além de muita coordenação. E, óbvio, gasta um montão de calorias.

A professora de natação Gisele Midori Cordeiro, de 27 anos, que aparece na foto ao lado e na do frevo, na página anterior, é uma entusiasta. "Eu já praticava dança do ventre e, há cerca de 3 meses, comecei a fazer dança de salão com o meu namorado", conta ela. "As aulas são divertidas e, no fim, todo mundo aprende."

Vai virar febre nas academias
Muitos templos de malhação oferecem aulas de diversos ritmos como alternativa para os exercícios convencionais. E, claro, sempre tem novidade. A mais recente atende pelo nome de Nike RockStar Workout e acaba de chegar à América Latina. "A modalidade foi idealizada nos Estados Unidos por Jamie King, coreógrafo de estrelas como Madonna e Shakira", conta Kátia Gianone, gerente de comunicação corporativa da Nike do Brasil. "Ela consiste em coreografias feitas com passos de hip hop, funk e dança de salão, entre outras." Por enquanto a aula só está disponível na rede paulista Bio Ritmo, mas logo, logo deve chegar a outras academias brasileiras.
Fonte: http://saude.abril.uol.com.br/edicoes/0283/corpo/conteudo_218841.shtml

Saiba mais sobre a dança

2008-05-27T14:15:00.001-03:00

Quem é que nunca dançou ou movimentou o corpo com o batuque de uma música? Bem, é difícil encontrar uma pessoa que nunca se remexeu ou contorceu ao ouvir um som

Sabendo disso, ao certo é interessante conhecer ou saber um pouquinho sobre essa arte que envolve a maioria dos povos e que muitas vezes é utilizada não apenas como uma distração, mas como exercício e até mesmo como terapia.

A dança é considerada uma das artes mais antigas, é também a única que despensa materiais e ferramentas. Ela só depende do corpo e da vitalidade humana para cumprir sua função, enquanto instrumento de afirmação dos sentimentos e experiências subjetivas do homem. Segundo o site http://brgeocities.com/quemdancaemaisfeliz, em uma publicação, o desenvolvimento da sensibilidade artística determinou a configuração da dança como manifestação estética. No antigo Egito, 20 séculos antes da era cristã, já se realizava as chamadas danças astroteológicas em homenagem ao Deus Osíris. O caráter religioso foi comum às danças clássicas dos povos asiáticos.

Na Grécia Clássica, a dança era frequentemente vinculada os jogos, em especial aos olímpicos. Com o renascimento, a dança teatral, virtualmente extinta em séculos anteriores, reapareceu com força nos cenários cortesãos e palacianos. No século XIX apareceram a Contradança (que se transformou na quadrilha), a Valsa, a Polca, a Mazurca, o Scottish, o Pas-de-quatre, etc. No século passado surgiu o Boston, só destronado pelas danças exóticas (Cake-Walk, Maxine, One Step, Fox-Trot, e Tango). A divulgação da dança se deu também fora do espetáculo, principalmente nas tradições populares.

Tipos de dança

Existem quatro grandes grupos de estilos de dança, que são:

*Dança Clássica - conjunto de movimentos e de passos, elaborados em sistema e ensinados no ensino coreográfico.

*Dança de Salão - praticada nas reuniões e nos dancings.

*Dança Moderna - que se libertou dos princípios rígidos da dança acadêmica e que serviu de base ao bailado contemporâneo

*Dança Rítmica

Os vários tipos de dança:

Ballet, Ballroom, Bolero, Break-dance, Capoeira, Ceroc, Can Can, Cha-Cha-Cha, Contemporânea, Contra-dança, Country Western, Disco, Exotic Dancing, Flamenco e Spanish Gypsy, Folk and Traditional, Foxtrot, Funk, Jazz, Line Dance, Mambo. Merengue, Middle Eastern, Modern, Polka, Religiosas e dança Sacra, Rumba, Salsa, Samba, Swing, Scottish, Country Dancing, Square Dance, Tango, Twist, Valsa, Western

Danças Nacionais e Populares

Na Espanha - Fandango, Bolero, Jota, Seguidilha, Flamenco...
Itália, a Tarantela, Furlana…
Inglaterra - Jiga…
Polónia - Mazurca e Polca…
Hungria - Xarda…
No Brasil as principais são: Baião, Samba… (As danças brasileiras são a mistura de fatores negros, índios e Europeus).
Portugal - Vira, Verde-Gaio, Malhão, Fandango Ribatejano, Pauliteiros de Miranda do Douro, Gota, Chula, Corridinho...

Fonte: http://meuartigo.brasilescola.com/artes/historia-danca.htm

Dança como expressão mística e divina

2008-05-27T14:11:00.004-03:00

A história nos conta que a origem da dança se deu juntamente com o teatro através de uma escritura chamada Natya Shastra. Natya é a junção de drama (atuação), música e dança, Shastra quer dizer escritura.
É dito que o Natya Shastra foi composto pelo próprio Deus Brahma, o senhor da criação, e que para sua composição foram extraídos textos dos quatro Vedas. Por tal motivo, o Natya Shastra também é chamado de Natya Veda já que Brahma incorporou todas as artes e ciências que havia nos Vedas. Do Sama Veda ele retirou a música, do Rig Veda a poesia e a prosa, do Yajur Veda o gestual e a maquiagem e finalmente do Atharva Veda a representação dramática.
Originalmente a dança era apresentada dentro dos Templos em uma sala especialmente construída e chamada de Natyamandapa, era executada por mulheres chamadas de “Devadasis”. Deva significa Deus e dasi, serva, portanto a dança era considerada como uma oferenda aos Deuses assim como a comida, as flores, etc...

A técnica da Dança Indiana

A dança clássica indiana é dividida em Nritta (dança pura ou abstrata) e Nrittya (dança expressiva).
Nritta é composta de movimentos baseados no ritmo e na música e não possui significado, tendo um caráter puramente decorativo e abstrato. Os ítens de dança pura, como são chamados, possuem complicados padrões rítmicos e diferentes medidas de tempo nos ciclos métricos. Em Nritta, a ênfase é nos movimentos puros de dança, criando padrões no espaço e no tempo sem nenhuma intenção especifica de projetar qualquer emoção. Os movimentos são criados pelas várias partes do corpo para produzir beleza estética.
A unidade básica da dança é chamada de Adavu, que quer dizer “combinação” e no caso da dança pura, combina passos e gestos chamados de Nritta Hastas.

Nrittya é composto de Hastas e Abhinaya que são usados para contar histórias através da expressão das mãos, do rosto e do corpo. A palavra Hasta quer dizer mão e os principais Hastas (ou Mudrás) usados em Nrittya são os Asamyukta (simples) e os Samyukta (compostos).
Abhinaya é uma síntese de vários aspectos do processo dramático e normalmente esta palavra e traduzida como “atuar” ou "educar".

Há quatro tipos de Abhinaya citados nas escrituras: Angika, Vacika, Aharya e Satvika.
Angika se refere às expressões do corpo, Vacika à fala ou canto, Aharya a caracterização e Satvika se refere ao comportamento das personagens, a expressão da graciosidade e a emoção propriamente dita.

Rasa e Bhava são os principais componentes de Abhinaya. Rasa quer dizer sabor e Bhava, sentimento ou emoção. As principais expressões do rosto são chamadas de Nava Rasas e são compostas de: Sringaram (amor), Veeram (heroísmo), Karuna (tristeza ou compaixão), Adbhuta (maravilhamento), Raudram (ira), Hasya (humor ou comedia), Bhayanaka (medo ou pavor), Bibhatsa (nojo) e Shanta (paz).

Os estilos de Dança Clássica Indiana

"Os Deuses criaram a dança como um instrumento para entretenimento. Mais tarde, com o propósito de agradar os Deuses, os seres humanos passaram a representar as histórias e as glórias dos Deuses. Deste modo começou o ciclo de celebração manifestada no alegre abandono do movimento e da música. Durante um período de aproximadamente dois milênios, a dança na Índia adquiriu um conjunto gramático, o qual levou a uma certa codificação da técnica. Deste modo foram plantadas as sementes do celebrado tratado de Bharatha Muni, o Natya Shastra. Isto foi complementado com uma acelerada manifestação da religião formalizada através dos Templos. Nos Templos, a arte da dança se desenvolveu em sua glória primordial, oferecida como era, aos Deuses. Os reis eram patronos de várias formas de arte e, assim, as Cortes também tiveram um papel importante na promoção e propagação da dança.
Com novas influências culturais no milênio passado, deu-se a fusão e a síntese. As tradições da Ásia Central foram absorvidas no repertório da dança a qual deixou parcialmente suas amarras nos Templos e se mudou para a Corte. O domínio colonial da Índia levou ao lento desaparecimento da dança clássica, a qual, quando o País ganhou sua independência foi revivida. O espirito de rejuvenescimento tem ajudado a Dança Clássica Indiana a atingir um importante lugar no mundo cultural."

Fonte: http://www.natyalaya2.4t.com/

2.4t.com/

História da dança clássica

2008-05-27T14:08:00.001-03:00

Uma breve dissertação sobre a história da dança através das épocas.

O Ballet é a representação cênica em que combina dança (bailado), música, pantomima, cenário e figurinos para dar a um enredo ou argumento (libreto) interpretação visual tão completa que dispensa a palavra. A Dança é o centro do espetáculo (Ballet vem do italiano BALLARE, dançar, através do francês BALLET). Tudo o mais lhe é acessório.

Aos poucos a dança se estabilizou, dominou os outros elementos, passou a exigir movimentos tão refinados e rapidez tão estonteante que o Ballet deixou de ser uma extravaganza de bom tom para transformar-se em teatro, coreografia montada e executada por profissionais, bailarinos, ginastas, atletas. Diversificou-se, depois, em duas modalidades principais: dança pura, acrobática, de alto requinte, já sem características do bailado imitativo, inquadravel entre as danças abstratas; e a dança dramática, mais próxima do ballet original, de sociedade, como apresentação mímica de uma história ou tema.

Mas tanto no Ballet abstrato como no ballet dança dramática a forma criou sua linguagem própria, hierárquica, estereotipa, montada sobre uma série de posições e movimentos convencionais, de ensino rígido e aprendizado obrigatório.

O ballet é, indubitavelmente, uma das artes em que mais impulso ganhou após o ultimo grande conflito mundial, em 1945. A dança é uma arte que exige interpretes destro de uma faixa etária, com a qual a juventude pode se identificar.

Se a dança ocupa uma posição até certo privilegiada, é porque a partir de 1930 ela deixou de ser apanágio de umas poucas nações para se espelhar, principalmente pelos jovens países das Américas, que absorvem essa forma de arte, não por um processo colonialista, mas porque simplesmente era mais um tipo de informação para se formar aos seus conhecimentos. A internacionalização da dança, de seus princípios básicos, é um fato em nosso século, semelhante ao que já acontecera, por exemplo, com a música e a pintura há mais de 200 anos. A proliferação das companhias de ballet no mundo inteiro merece uma digressão mais detalhada, não apenas por ser fruto de todo um passado, mas principalmente porque com ela convivemos nos dias de hoje.

Os primórdios ao Século XVIII

Em todas as épocas e em todos os povos, exceto no intervalo de 2000 anos de história ocidental, a dança esteve enraizada em todas as experiências vitais das sociedades e dos indivíduos : as do amor e da morte, das guerras e das religiões.

A vida cotidiana pode ser expressa pela linguagem, mas não os acontecimentos transcendem. A dança exprime estas transcendência. O homem dança para falar sobre o que ele honra ou sobre o que o emociona.

"A dança", dizia Platão, "é um dom dos deuses. Ela deve ser consagrada aos deuses que a criaram".

Por que nem sempre esse significado da dança aparece hoje em dia de forma evidente?

Como pode a dança, que sempre foi, nas regiões não ocidentais, a matriz da cultura e sua mais alta expressão da vida, ter chegado ao grau de decadência e futilidade do ballet clássico no início do século XX?

A dança sempre falou do amor, da luta, da morte e das coisas depois da morte, degenerou, então, num academismo e num virtuosismo sem nenhum significado humano.

Há, para tanto, razões históricas.

Depois do grande florescimento da arte grega, os romanos, povo de soldados, administradores e legisladores, que não viveram; do ponto de vista estético, senão de empréstimos e que aviltaram tudo que tocaram, degradaram a dança como fizeram com a poesia, a escultura e a filosofia. Na Roma cosmopolita da época do Baixo Império, onde não mais podia se representar o drama de falado por causa da diversidade de línguas, e onde os espetáculos refletiam a decadência da história, as artes tornaram cada vez mais grosseiras, sendo representadas pela violência sádica do circo e a obscenidade da pantomima.

A dança foi, assim, envolvida na corrupção do modo de vida romano.

O cristianismo, na sua condenação deste mundo que apodrecia, englobou as artes que refletiam essa decomposição.

Os padres da Igreja, Santo Agostinho entre elas, condenara "essa loucura lasciva chamada dança, negócio do diabo". Além desta maldição circunstancial, a contaminação do pensamento bíblico pelo dualismo grego que levou São Paulo a opor o espírito aos sentimentos e a desprezar o corpo: o bem, no homem, só está na alma, e todo o mal vem da carne. Essa perversão dualista do cristianismo trouxe como conseqüências a consideração do corpo como obstáculo à vida da alma e a orientação da vida para outro mundo, com a negação da carne, que deve ser ignorada, punida, e mortificada. Nessa atmosfera de suspeita em relação ao corpo, a dança perdeu sua força. A partir do século IV, com os imperadores ditos "cristãos", o teatro e a dança foram condenados. O batismo era recusado aos que atuavam no circo ou na pantomima. E 398, no Concílio de Cartago, os que iam ao teatro nos dias santos foram excomungados. Mesmo no século XVII, na França, os comediantes ainda não podiam ser enterrados no "campo santo". A tradição popular, no entanto, é tão forte que até o século XII a dança, sob a forma de rondas que acompanhavam os salmos, fez parte da liturgia. Havia aí um aspecto particular de um movimento mais geral de compromisso: "à medida que as tribos pagãs da Europa e da Ásia Menor se convertiam, os missionários construíam as igrejas nos locais dos antigos templos, tomando emprestados aos ritos autóctones os sinos, as velas, o incenso, o conto e a dança.

A partir do século XII, a dança foi banida da liturgia.

Não sobreviveu senão nas "danças macabras", danças da morte e contra a morte, numa época de temor a fome, da guerra e da peste. Na época da peste negra , 1349, multiplicaram-se os fenômenos de transe e possessão, com as danças convulsivas. Fora disso só se desenvolveram as danças profanas: as caroles dos camponeses, que se desdobraram nas farândolas evocadas por Breughel e depois Rubens, e as basses danses dos nobres, sufocados em pesadas vestimentas de luxo.

A dança só voltou a florescer no Renascimento, quando surgiu uma nova atitude e relação ao dualismo cristão, e os valores mundanos da vida e do corpo foram novamente exaltados.

Pode-se dizer, a rigor, que a dança saiu do gueto, porque, repudiada pela sociedade oficial da Igreja, a tradição só foi mantida nos guetos e, no século XV, o primeiro grande professor da dança da Itália foi Guglielmo Ebreo (Guilherme, o Judeu) teve um papel fundamental na criação do ballet como coreógrafo do duque Urbino, na mesma época em que Piero della Francesca era pintor deste. Depois Guglielmo Ebreo passou a servir de Loureço, o Magnífico. Foi o autor do primeiro tratado da dança, no qual as qualidades de dançarino: o ritmo, pelo qual ele segue a cadência; a memória dos passos e suas combinações; o sentido do espaço, para compor figuras num enquadramento limitado, ser leve, dominar a arte do salto e da queda elegante; a "maneira", isto é, o estilo de elegância e a coordenação dos movimentos do corpo que se desloca com graça e precisão. Não é exagero dizer que a obra de Guglielmo Ebreo está na origem da criação do futuro do ballet.

Durante a baixa Idade Média, do século XIII ao XV, só se desenvolveram as danças corais rústicas entre o povo, sobrevivência ou produto das antigas danças pagãs, e as danças da corte, nascidas das cours d’amour, espécies de lides poéticas em meio às quais o diálogo, às vezes, se tornaram em mímica ou num dança de pares.

No século XV, na Itália, o ballet nasceu do cerimonial da corte e dos divertimentos da aristocracia.

No mundo Renascimento em vias de secularização, as artes que estavam até então a serviço da Igreja, tornaram-se símbolo de riquese e poder.

Quando Catarina de Médici, bisneta de Lourenço, o Magnífico, foi para a França para casar-se com o duque de Orléans (futuro – Henrique II), trouxe consigo um grupo de músicos e dançarinos e coreógrafos da corte de Florença, Baldassari de Belgiojoso que, afrancesando seu nome para Balthasar de Beaujoyeux, transformou o ballet da corte em ballet teatral.

Em 1851, na corte de Henrique III, em Fontaineblau, ele realizou o Ballet Comique de la reine, juntam do pela primeira vez a dança a música e o drama teatral: em torno do tema mitológico da feiticeira Circe, com ampla utilidade maquinaria e jorros de água, compôs um espetáculo noturno de seis horas, de dez mil espectadores. O sucesso foi enorme: cópias da música libreto foram enviadas a todas as cortes da Europa. Tinha nascido o ballet clássico.

O movimento desenvolveu na Itália com a ópera, que nasceu, em 1597, do desejo dos nobres florentinos de reviverem o corpo da tragédia antiga: nove anos depois da Dafne de Jacopo Peri, primeiro drama musical, Monteverdi criou Orfeu.

Separada do ballet na Itália, a ópera ministrou-se com ele na França. Na Inglaterra, a dança se desenvolveu com o teatro Elizabetano. Shakespeare dá, francamente, como indicação cênica: "Aqui, dança", tomando como certo que os atores fossem também bailarinos. Era grande tradição da comedia dell’arte italiana, que exigia que o ator fosse não somente capaz de improvisar e impor sua personalidade criadora mas também fosse mímico, acrobata, esgrimista, bailarino; músicos detentor de uma grande cultura. Este movimento elizabetano foi cortado pelos puritanos, sob Cromwell, e até o século XX, a Inglaterra não contribuiu com mais nada para a dança.

No século XVII, o centro de expressão do ballet se deslocou, da Itália para a França. Balthasar de Beaujoyeux define o ballet como "uma combinação geométrica de várias pessoas dançando juntas". Como o espetáculo era, em geral, visto do alto de balcões, camarotes ou estrados, o essencial era o desenho dos movimentos no chão, as danças se desenvolveram no palco horizontal, seguindo a tradição de que se chama basse, na qual os pés nunca saíram do solo.

Grandes mudanças se produziram sob o reino de Luís XIV, que participou, como primeiro bailarino, de vinte e seis Ballet´s e deve o seu epíteto de "Rei Sol" ao ballet de la nuit, no qual, em 1653, dançou com 15 anos o papel do Sol.

Lulli um dos bailarinos e músicos italianos trazidos para a França por Mazarino, dançou com oportunidade com o rei.. Tendo –se tornado diretor da Academia Real de Música e Dança, Lulli conseguiu, em 1673, que os ballets fosse representados no Malais Royal (como as peças de Moliere, co o qual ele colaborou para criar as comédias-ballets).

O fato de ser representada sobre um palco elevado (como no teatro italiano) teve conseqüências importantes para a evolução da dança clássica. Como os espectadores estavam todos do mesmo lado (e não mais em volta como antes) era necessário que o bailarino ficasse de frente para o público, mesmo quando se deslocava de um lado para o outro do palco: a solução para esse problema constituiu e virar a coxa e o joelho para fora. Este movimento, cada vez mais pronunciado, foi codificando, em 1700, por Pierre Beauchamp, professor de dança de Luís XIV e depois maitre de ballet da Academia Real, que definiu, antes de qualquer outro, as cinco posições dos pés e as regras do port de bras.

A separação, pelo palco, dos cortesãos amadores e dos bailarinos profissionais permitiu um rápido progresso técnico. Tanto mais que a elevação do palco, mudando as perspectiva de visão, encorajou não mais as figuras horizontais, desenhadas no chão, mas sim e extensão vertical dos movimentos, os saltos.

A codificação da dança por Pierre Beauchamp e pela Academia de Dança, assim como a da língua pela Academia Francesa e da pintura, pela Academia de Pintura, levou, como em qualquer campo, ao "academismo" e à esclerose. A perfeição técnica tornou-se um fim em si mesmo: o essencial, a partir daí, era a clareza, o equilíbrio e a ordem, mesmo que isso levasse à rigidez. A arte se separa da vida e de sua expressão.

Durante cinqüenta anos, da morte de Lulli até a aparição de Romeau, a técnica pura esterilizou o criador.

E 1735, com sua ópera Les Indes galantes, Romeau ocupou o lugar de Lulli. Os artistas se voltara então para a danse haute, para uma técnica brilhante em haute, com seus saltos, seus entrechats, seus battus. Mas tudo isso não passava de virtuosismo puro, senão mesmo de acrobacias sem significação humana: para fazer o elogio da "primeira bailarina" da ópera, Maria Camargo, evocava-se um feito atlético: ela foi a primeira, diz-se, a executar um entrechat quatre. Da mesma forma dois séculos mais tarde um biólogo entusiasta de Serge Lifar enumera seus recordes: entrechat douze, cabriole, tripla, douze piruetas, tours en l’air, três grand jetés, para cruzar o palco da ópera de Paris, bela palma de ouro para um acrobata virtuoso ou para o especialista em uma língua morta, como se tornara a língua do ballet clássico no início do século XX.

Do século XVII até nossos dias, a dança clássica só se tornou viva pelos seus hereges, aqueles que lhe quiserem dar uma significação humana, utilizando o virtuosismo técnico apenas como meio para expressar através da linguagem da dança experiências humanas tão grandes quanto aquelas que Miguel Ângelo, Shaespeare ou Bethoven expressaram através da linguagem de suas artes.

Dentre esses, destaca-se Jean-Georges Noverre (1727-1810), certamente a mais importante figura da dança na século XVIII, refordor cuja obra principal, além de inúmeros bailados, foi Lettres sur la danse et sur les ballets, uma exposição de leis e teorias do ballet, até hoje considerada a melhor do gênero. Noverre reclamava maior expressão integrada na própria dança, maior simplicidade e comodidade nos trajes. Para ele, o ballet d’action é "uma ação expressa pela dança". As suas palavras são: "a ação, na dança, é a arte de fazer passar emoções e ações à alma do espectador pela expressão verdadeira dos nossos movimentos, de nossos gestos e de nosso corpo".

Para Noverre, a dança não era simplesmente virtuosismo físico, mas sim, um meio de expressão dramática e comunicação.

Diderot retomou esta definição na sua Enciclopédia: "o ballet é uma ação explicada pela dança". Noverre estava em sintonia com a vanguar da filosófica e artística do século XVIII. Voltaire lhe dizia: "Você é Prometeu, deve modelar os homens e fazê-los mover-se.

Numa de suas Lettres, Noverre assim definiu seu método de criação coreográfica e sua concepção das relações da dança com a música: "antes de escolher áreas para elas adaptar passos, antes de estudar passos para formar ballet, eu procurava, seja fábulas, na história ou mesmo na minha imaginação, assuntos que não somente desse lugar ao uso de danças e festas, mas também oferecem, no seu desenvolvimento, uma ação e um interesse gradual. Uma vez concebido o meu poema, estudava todos os gestos, todos os movimentos e todas as expressões podiam mostrar as paixões e os sentimentos que meu assunto à tona trazia. Só após este trabalho eu fazia apelo à música, ponto sob os olhos do músico os diferentes detalhes do quadro que eu acabava de esboçar, eu lhe pedia, então, uma música adaptada a cada situação e a cada sentimento. Em lugar anotar passos sobre áreas prontas, como fazemos versos sobre àreas conhecidas, eu compunha, se posso assim me exprimir, dialogo de meu ballet e pedia que fosse feita a música para cada frase e cada idéia. Foi assim que deitei a Gluck a área característica da dança dos selvagens em Ifigênia em Táuride; os passos, os gestos, as posições, as expressões dos diferentes personagens, da forma como lhe mostrei, deram a ela as características para a composição deste belo trecho de música."

Noverre morreu em Saint-Germain e 1809, escrevendo solitariamente um Dictionnaire de la Danse. Só um século mais tarde, com Daghilev e fokine, se retomou sua obra percursora da ballet moderno.

Além de Noverre, ainda nesse século, destaca-se Vigano, seu discípulo, reconhecida como genial Bethoven e Stendhal, mas que acabou eclipsando pelo estouro da vaga e da dança romântica. A morte de Vigano, em 1821, arcou o fim de um período: a pedra tumular se fechou sobre a revolução, este pesadelo que os antigos e os privilegia dos que queria esquecer.

Na verdade, a Revolução Francesa, além de reformas nos trajes, não trouxe grandes evolução a arte da dança. Nessa época, foi fechada a Academia Real de Musica e Dança, que só seria reaberta com a restauração. Nem a época de Napoleão deixou reflexos marcantes na arte coreográfica. Na França, o ballet entrou em decadência até o século XIX. Seus mestres, no entanto, haviam deixado um grande acervo de experiências. Foram desse período inicial os livros de Attaignat, Thoignant, Thoinot d’Arbeau, Baeauchamp, Raoul Feuillet, Bohet, J. F. Rameau, Mapus, Arthur Saint-Léon e, sobretudo, as obras do já citado Noverre e as de Carlo Blasis.

O Ballet do Século XIX

O século XIX, século da Revolução Industrial, é a idade de ouro do ballet, como arte de evasão da realidade. A primeira preocupação da burguesia que a partir daí formou o público da ópera, e em cujo seio surgiu o "baletômano", personagem típico do século XIX, foi imitar o luxo e as preferências da aristocracia precedente. Reagido contra a obra inovadora de Noverre Vigano, Carlo Blassis estabeleceu o Código de Terpsicore, codificado as bases da dança clássica, numa etapa nova de seu desenvolvimento. Através de um agiornamento prudente das normas de Pierre Beauchamp. Ele enfatizou o desenho geométrico dos membros, integrou a pantomima e definiu as posições de base da dança clássica a partir da escultura, principalmente do Mercúrio dançando de Jean Bologne. Blasis teve papel fundamental no desenvolvimento de danse d’école e do novo academicismo.

Esta nova exigência de fugir de um mundo que se tornava um pouco sórdido pela especulação financeira, pelo capitalismo industrial e pelo comércio, e onde cada burguês, como disse Balzac: "tem uma moda de cem réis escondida no fundo da consciência", traduziu-se no simbolismo pueril de uma dança onde a preocupação essencial parecia ser a negação da terra e da gravidade. Essa tendência, alias, levou, no palco técnico, as conquistas significativas: atribui-se geralmente à bailarina Maria Taglione, em 1826, a invenção da "ponta" que maravilhou seus contemporâneos. Foi com ela que se inaugurou o Romantismo na dança, que antes já dominara a literatura, a música, o drama, e a pintura. As bailarinas se tornaram seres etéreos, quase irreais. Desejando realizar esse ideal de imaterialidade, Taglione revolucionou toda a técnica e a estética da dança. Assim como a sapatilha de ponta deu a bailarina a possibilidade de flutuar nas pontas dos pés e de executar proezas técnicas, o vestido, que se tornou obrigatório, passou a ser o TUTU, vestido semi longo, de tule, com um corpete justo possibilitando total liberdade de movimentos.

Durante todo o século, a bailarina firmou seu predomínio, sobre o bailarino, cada vez mais reduzido ao papel de porter, de instrumento de "elevação" da estrela quando seus saltos não afastam o bastante do chão: era o instrumento intermediário entre a sapatilha de extremidade rígida, que permitia acentuar a ponta, e o cabo no qual se suspendia a bailarina para faze-la voar. Pois a bailarina aérea, imponderável, que mal toca o solo, que é arrebatada dele como uma acrobata e, que, afinal voa, era evidente, a imagem do espiritual.

A imagem romântica da mulher, não sob sua forma terrestre, mas como um sonho, por definição inacessível, contribuiu para desenvolver, na dança de espetáculo, o gosto da proeza gratuita e do maneirismo.

Uma tal concepção da dança, não podendo se inserir na vida real, foi buscar seus temas nos contos de fadas, representados num cenário de realismo poeirento, assinalando o contraste entre a natureza e o sobrenatural, o sonho e o real.

O uso do gás, a partir de 1820, permitiu um tipo de iluminação que não era alcançado por velas e serviu, no palco, para sustentar cenas fenéricas e sem substância.

Maria Taglione dançou, pela primeira vez, La Sylphide na Ópera de Paris, obtendo grande sucesso, peça que é o protótipo do ballet romantico, com suas fadas, seus elfos, seus gênios, seus fantasmas, todo o aparato de um imaginário de pacotilha que se tornou acessório obrigatório do ballet clássico até nossos dias.

E 1841, Jean Coralli criou Gisele, considerado o maior e mais tradicional dos bailados por exigir qualidade emotiva de suas interpretes. Em 1845, Jules Perrot produziu Pas de quatre, ainda hoje encenado, e em 1870 Arthur de Saint-Léon criou Copélia, com música de Delibes, componentes do grupo de bailados tradicionais (chamados clássicos, mas na verdade, românticos) que ainda perduram.

Mas na verdade o entusiasmo pelo ballet na França diminuiu a partir de meados do século XIX, exceto para os baletômanos, que que permaneceram fiéis, durante mais de um século, a esta formula e a seus ritos.

O ballet clássico, nascido na Itália e levada para a frança, emigrou mais uma vez, para a Rússia, com Petipá, primeiro bailarino da Ópera de Paris, que exerceu, durante de mais de meio século, uma verdadeira ditadura coreográfica sobre os ballets imperiais dos czares.

O ballet tornou-se então, mais uma vez, ornamento de um regime aristocrático. Era, além disso, uma arte eclética, sem raízes nacionais no povo e, por conseguinte, sem caráter nacional: tendo sucessivamente pela Itália, França e Rússia, não guardou a marca de nenhum desses países.

A Rússia imperial importou seus coreógrafos, entre os quais se destacou Petipá, contratado em 1847 como primeiro bailarinodos Teatros Imperiais de São Petesburgo, tornou-se maitre de ballet em 1862, sendo que foi sob sua direção que a Rússia se tornou o grande centro do ballet até o início do século XX. Entre suas montagens, encontram-se o Lago dos Cisnes, que era uma nova versão de La Sylphides, A Bela Adormecida, de Tchaikowsky, expressão suprema, na sua versão russa, do mais ultrapassado romantismo: sonho de amor fantástico, equilíbrio aéreo de leveza. Era uma arte dirigida a uma aristocracia de sangue e de dinheiro, a que o povo não tinha acesso.

Mesmo após a Revolução de Outubro, quando as classes populares tiveram acesso ao Bolshoi de Moscou, o conteúdo do espetáculo não mudou, valorizando a mesma perfeição técnica incomparável, os mesmos cenários de um realismo poeirento, os mesmos contos de fadas: O Lago dos Cisnes ou A Bela Adormecida, Giselle ou La Sylphides.

O Ballet do Século XX:

Com o advento da dança moderna e sua aceitação pelo público, os ratistas do bailado clássico verificaram que era tempo de renovar sua arte, sob pena de vê-lo sepultada. Exemplo dessa nova visão é Diaghilev, grande organizador, diretor do bailado russo no início deste século, que foi o primeiro a chegar a essa conclusão e as suas últimas criações foram lançamentos de vanguarda sob todos os aspectos. Cinco países lideram a dança em nossos dias: Inglaterra, Dinamarca, Rússia, França e os Estados Unidos.

Roger Garady, em sua obra "Dançar a vida", é inflexíveis a criação quando à petrificação ideológica que imperou na arte do bailado clássico, afirma que a linguagem da dança clássica, em que pese as modificações levadas a efeito no Bolshoi, não chego a ser fundamentalmente modificada, permanecendo exatamente como a dos teatros imperiais, como a mesma alta perfeição técnica, mas sempre sem nada a dizer ao homem.

O autor prossegue acusando que a mesma língua morta reina ainda, no essencial, em todos os grandes teatros da Europa. De Moscou a Paris, de Estocolmo a Milão, as mesmas inovações após realizar os seus vinte e quatro Fouettés. Acrobacia graciosa, própria para os olhos, como um quadro de Degas.

Garaudy desebafa dezendo: "será que não podemos esperar da dança sem subestimar a beleza ou e necessidade dos exercícios do ballet clássico e a disciplina fecunda que ele exige, que o gesto seja um mensageiro para nos comunicar emoções mais complexas que as acrobacias graciosas, e que ele seja uma linguagem mais variada, mais viva para exprimir os dramas e as esperanças do nosso século?"

E prossegue: " Não seria um símbolo desse impasse do ballet do século XX o destino trágico Nijinnki, o mais extraordinário dos bailarinos clássicos? Ele consumiu sua vida na procura de algo de significativo para dizer e acabou mergulhando, antes dos trinta anos, na loucura e na morte, por não Ter podido expressar, nessa língua morta, a mensagem que transbordava de seu coração."

Para o autor, "A dança, no início do século XX, tinha se transformado numa arte decorativa, desumanizada como uma rainha fútil e bonita, embalsada no seu caixão de vidro. Com seu sorriso congelado, seus gestos imutáveis, seu tutu e suas sapatilhas rosas ela estava nua situação da Bela Adormecida, dormindo há cem anos enquanto o mundo mudava vertiginosamente ao seu redor. Qual o Príncipe Encantado que iria acordá-la?"

É a proposta da união dos sentimentos com a técnica.

Fonte:http://www.balletgutierres.com.br/historiadan.htm

Tango Ele nasceu nos subúrbios de BuenosAires, na Argentina, no final do século XIX, mas logo conquistou espaço em todos os bairros portenhos até ganhar o mundo e cair nas graças dos europeus. Seus passos extremamente marcados, firmes, ousados e elegantes acompanham músicas dramáticas e melancólicas. "Os dançarinos ganham pernas torneadas, além de uma bela melhora na postura", afirma a professora Paula Domingues, que aparece na foto ao lado.
Frevo Genuinamente brasileiro, seu puladinho frenético nasceu no Recife, em Pernambuco, no início do século XX, e queima calorias à beça. Mas tem que ter preparo físico para dar conta da coreografia, que, diga-se, é feita com a típica sombrinha. Os músculos mais requisitados são os das pernas, do bumbum e do abdômen. Pode apostar: eles ficam firmes depois de alguns meses de treino. Vale seguir a recomendação: "Se o joelho for seu ponto fraco, escolha outro ritmo porque o frevo exige demais das articulações", alerta Willamy Natan.
Salsa Essa mistura de músicas caribenhas, como o mambo, o merengue e a rumba, nasceu em Cuba nos anos 1960. Em castelhano, salsa quer dizer tempero. Quer palavra mais apropriada para definir esse ritmo pra lá de apimentado? Os seus passos são animados e cheios de ginga. O gasto calórico de quem entra nessa dança, portanto, é alto. "Seus adeptos trabalham os músculos e ficam com o corpo bem flexível", conta Willamy Natan, na foto abaixo.
Dança do ventre Extremamente sensual, suas origens se perderam no tempo — ninguém sabe ao certo onde e quando ela teve início. Alguns historiadores acreditam que tenha nascido por volta do ano 7000 antes de Cristo, no Oriente Médio. "Seus movimentos sinuosos mexem com todos os músculos do corpo, principalmente os da barriga, os dos quadris e os da pélvis, região localizada na bacia", conta a professora Tamara Hanna (na foto), proprietária do Estúdio Danças do Mundo, em São Paulo.
Forró Existem dois tipos dessa dança danada de boa: o forró nordestino, que, como o nome sugere, tem as características da região onde nasceu, e o universitário, mais comum nos estados do Sudeste. A principal diferença entre eles está no gingado, acentuadamente sensual e provocante na primeira variante. Já no universitário o casal dança coladinho e os passos são miúdos. Quem bate coxa ao ritmo acelerado dessa música ganha flexibilidade para dar e vender, além de muita coordenação. E, óbvio, gasta um montão de calorias. A professora de natação Gisele Midori Cordeiro, de 27 anos, que aparece na foto ao lado e na do frevo, na página anterior, é uma entusiasta. "Eu já praticava dança do ventre e, há cerca de 3 meses, comecei a fazer dança de salão com o meu namorado", conta ela. "As aulas são divertidas e, no fim, todo mundo aprende."